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16/08/2009

Quelques oeuvres présentes au Musée des Femmes

Quelques oeuvres du Musée des Femmes présentées dans sa Galerie du 35 rue Jacob par Antoinette Fouque, dès septembre 2009 : 

Jennifer Bartlett (1941 - )
D'un ensemble de trois oeuvres exécuté pour le décor de la maison des morts de Yana Tchek. Mise en scène de V. Schlöndorff, 1986
Gouache, pastel et fusain sur papier
76 x 94 cm

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Louise Bourgeois
Black Torso
Signé, numéroté et daté "L.B. 1968 1/6"
Marbre noir belge
28,6 x 14,6 x 12,7 cm

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Claude Cahun (1894-1954)

Autoportrait, vers 1927

Tirage argentique

11 x 8 cm

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Geneviève Claisse (1935 - )

Relief cercle, 1968-1978
Signé et titré au dos
Bois peint, tableau relief lumineux
70 x 62 x 10 cm

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Sonia Delaunay (1885-1979)
Rythme coloré
Signé, daté 1952
Huile sur toile
105 x 194,5 cm

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Natalia Dumitresco (1915-1997)
Autoportrait
Signé, daté 1973
Huile et collages de photographies sur papier
Photographies d'André Villers
92 x 73 cm

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Françoise Gilot

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Rebecca Horn (1944- )

Tanger
Signé, daté 2001, numéroté 3/15
Photographie retouchée
71 x 100 cm

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Yayoi Kusama (1929- )

Nets, 9
Signé, titré, daté 2001 au revers
Acrylique sur toile
60,6 x 72,7 cm

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Catherine Lopes-Curval
Alice underground II

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Dora Maar (1907-1997)
Portrait de Picasso
Huile sur toile
65 x 54 cm

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Joan Mitchell (1925-1992)

Sans titre (5 panneaux)
Signé, ca. 1989
Huile sur toile
24 x 83,5 cm

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Aurélie Nemours (1910-2005)

WH 9140
Signé, daté 1992 (au revers)
Huile sur toile
60 x 60 cm

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Judith Nem'S (1948- )
O5 / Kappa / 584.913.267
Signé, daté 2005, titré (au revers)
Acrylique sur bois
30 x 30 cm

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Louise Nevelson (1899-1988)

Silence-Music II, 1979-1982
Relief mural, bois peint en noir
135,8 x 128,3 x 25,4 cm

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Grace Pailthorpe (1883-1971)
Sans titre (bleu et jaune)
Signé, daté 27.2.67
Encre, aquarelle et gouache
29 x 39,5 cm 

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Niki de Saint-Phalle (1930-2002)
Viva Italia
Signé, numéroté 75/150
Sérigraphie en couleurs
98,5 x 68 cm

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Niki de Saint-Phalle (1930-2002)
Nana avec un sac
Signé, 2001, numéroté 29/150
Résine peinte
Hauteur : 60 cm 

 

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Maria Elena Vieira da Silva (1908-1992)

Composition aux damiers bleus
Signé, daté  '49'
Gouache sur papier
48 x 62 cm

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01/07/2009

Cycle de conférences sur la création au féminin (par Thierry Delcourt)

colette.jpgCréation au féminin
 
Cycle de conférences
Thierry Delcourt
 
(avec notamment Lydie Arickx)
 
Médiathèque Jean Falala
Auditorium
2, rue des Fuseliers
51 100 Reims (Parvis de la Cathédrale)
 
Renseignements
Thierry Delcourt 03 26 47 13 05
Librairie La Belle Image 03 26 88 39 69
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1col.jpgMardi 15 septembre 2009 - 18 h 30
EXPRESSION, EXISTENCE ET CREATION AU FEMININ
 
La création a t-elle un sexe ? Existe t-il une différence entre femmes et hommes quant à leurs pratiques créatives ? Que met en jeu le processus de création au féminin au-delà de la singularité de chaque artiste, et de chaque oeuvre ?
Il n'y a pas si longtemps que la création artistique des femmes a droit de cité et ce n'est pas sans combat ! Au coeur de la culture, questionnant ses archétypes, refusant les contraintes de la préfiguration et des valeurs canoniques, quatorze artistes - chorégraphe, poète, peintres, plasticiennes, styliste, sculpteures et compositeurs - ont accepté de parler longuement et intimement de leiur pratique, de la place qu'elle occupe dans leur vie et des incidences de la création sur leur être-femme. Ces créatrices partagent le souci d'une liberté d'expression et la détermination à être reconnues en tant qu'artiste au-delà d'une identité figée de femme-artiste.
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2col.jpgMardi 13 octobre 2009 - 18 h 30
LE CORPS EN QUESTION DANS LA CREATION AU FEMININ
 
Le corps féminin est trop souvent pris au piège de l'image, entre attributs du corps et beauté d'objet dans une confusion entre être et avoir. La mise en jeu et en scène dans l'acte artistique intervient en amont d'une représentation concrète du corps dans la figure ou la performance. Prendre le risque du corps, de la révélation du désir qui le traverse et de ses potentialités dès lors qu'il se libère des contraintes culturelles, constitue une étape obligée de la création artistique des femmes. Ainsi, il est possible de sortir d'une dualité aliénante entre beauté révélée d'une féminité sublimée et impure horreur de l'organe trivial. Des artistes ont osé faire oeuvre de ce corps et nous le faire accepter dans sa réalité, dans sa corporéité irréductible, dans son existence pulsatile, dans sa jouissance et parfois sa souffrance.
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3col.jpgMardi 1er décembre 2009 - 18 h 30
CONCEPT, ABSTRACTION ET FIGURES DE L'ART
 
Est-il judicieux d'entretenir une catégorisation qui oppose expression et concept, intuition et pensée, corps et langage, sensible et intellectuel, figuration et abstraction ?
La création artistique au féminin peut nous aider à sortir de ces différenciations sectaires artificiellement introduites qui découpent le mouvement prolifique de la création contemporaine. Un éclairage précieux est apporté par les parcours de créatrices ainsi que par la compréhension de leur processus de création et du motif de leur travail. Cela permet de mettre en relief certaines distinctions enrichissantes et de tendre des passerelles entre des approches artistiques que tout semble, a priori, opposer. Il n'est plus question de différence sélective purifiant un art élitiste mais de nuances et d'équivoques ouvrant à une hétérogénéité inédite. L'hétérogène distingue l'altérité au coeur du sujet singulier, entre les êtres et dans leur rapport au monde.
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4col.jpgMardi 19 janvier 2010 - 18 h 30
LES FEMMES ET L'ART BRUT
Du tricot à la broderie, de la cuisine à la décoration, un art conjugué au féminin depuis l'aube des temps et dans toutes les cultures, est contraint à rester défini comme mineur et même, le plus souvent, réduit à un artisanat répétitif, recréatif et non créatif.
Or, il s'y dévoile, pour qui sait le voir et l'entendre, un potentiel inouï derrière l'évidence du quotidien. Peut-on rapprocher ce vaste territoire d'expression créative des pratiques d'art brut ou d'art singulier ? Peut-on y voir le pivot d'une transmission culturelle essentielle en tant que facteur de pérennité et d'évolution de la culture qui préserve une précieuse dimension d'humanité dans un monde où humanité et transmission sont en crise et semblent en péril ?
Une mise en perspective de ces actes et productions séculaires des femmes avec ceux des grandes figures féminines de l'art brut (Aloïse, Magda Gil, Séraphine de Senlis...) permet de mieux situer ce lien entre pratiques quotidiennes, artistiques et culturelles dans le tissage d'une civilisation.
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Expo_Colette_Deble_018.jpgMardi 16 mars 2010 - 18 h 30
SUBVERSION ET AVANT-GARDE : L'IDENTITE A L'OEUVRE
 
La reconnaissance de valeurs dérangeantes, précaires et multiformes, introduites par la création au féminin, est desservie par l'extrême diversité des voies ainsi ouvertes dans un monde qui a besoin de classer, de catégoriser et de valider. Ce n'est donc pas d'une absence de valeur réelle dont souffre cette création, mais de ne pas se conformer à un système préétablies de valeurs esthétiques, culturelles et économiques, au risque de s'en trouver pénalisée dans sa visibilité auprès du public.
La plupart des créatrices travaillent, sous différentes modalités, l'aliénation symbolique qui traverse le corps, le langage, l'identité et les comportements. De ce fait, elles se cherchent, et se trouvent, au coeur de la révolution esthétique contemporaine. Elles prennent un risque réel dans leur acte et leur vie, sans hésiter à aller jusqu'à une subversion bouleversant le regard et l'entendement de celles et ceux qui tentent de saisir une oeuvre qui leur échappe dans la complexité de ses fragmentations et réagencements.
 
Thierry Delcourt, psychiâtre et psychanalyste à Reims,
auteur de Au risque de l'Art (éd. L'Âge d'Homme, 2007)
et Artiste Féminin Singulier chez le même éditeur, mai 2009

01/06/2009

Débat sur la création des femmes (à partir du livre de Thierry Delcourt)

deble_01.jpgEXTRAIT D’ARTISTE FEMININ SINGULIER (Thierry Delcourt)

………….Entre-deux chairs native

Antoinette Fouque, psychanalyste et militante en bute à une théorisation, osons dire terrorisation, freudienne et lacanienne du tout phallique et de la fonction paternelle comme références unaires du symbolique, en tant que ce système fonde l’existence des femmes et des hommes, tenta une révolution de ce symbolique pour y introduire la dimension du lien natif homosexué à la mère pour la petite fille, « terre native » qui résonne avec l’al/ternative ou alter/native de soi que tente et dont parle Agnès Thurnauer. Antoinette Fouque dit : « Le plus souvent, cette terre native est simplement forclose en une espèce de retrait, de chambre noire, d’ombre qui fait que les femmes ont peur d’elles-mêmes, peur de leur autre, qui est leur semblable et en même temps de la différence. »[i] Et donc, elle veut lever cette forclusion du corps de la mère et en désigner la fonction symbolique. Elle ajoute : « Cette homosexualité des femmes, native, c’est la première chambre à soi, d’où élaborer une langue, une pensée, un corps, une vie à soi : narcissisme, oui, mais topique, dynamique a- et post-phallique ; homosexualité structurante, vitale pour le devenir femme ; homosexualité qui n’a rien ou pas grand-chose à faire avec le lesbianisme, qui, lui, désigne une homosexualité de type secondaire, construite sur une identification au père. » Lors d’une interview télévisée, Antoinette Fouque précise : « Il y a une homosexualité primaire qui n’est pas de l’ordre de l’homosexualité telle qu’on l’entend. Le premier corps d’amour pour la fille et pour le garçon, c’est une femme. Si la fille ne retrouve pas à un moment de sa vie ce premier amour, elle est amputée d’une partie d’elle-même. Il m’est même arrivé de penser que si une fille ne retrouve pas cet amour charnel pour sa mère, elle ne pourra pas aimer un homme. Elle n’aura pas traversé tout le champ de potentialités de son corps même… »[ii] Doit-on maintenir ce terme d’homosexualité qui prête à confusion mais qui donne tout de même la dimension d’intense intimité comme une condition pour ouvrir à ce champ symbolique maternel ?

deble_02.jpgJe propose, en le rapprochant de l’entre-deux femmes comme construction d’une identité non phallo-centrée, le terme d’entre-deux chairs native. Cette intimité active tant du côté de la mère que de l’enfant, fille ou garçon, y compris durant son séjour dans le ventre maternel, va de l’allaitement jusqu’aux caresses réciproques, de la comptine au regard-fusion, de l’infra-verbal aux premiers mots qui méritent l’expression de langue maternelle pénétrant le corps dans une vibration jouissive… tout cela supposant, bien sûr, que la souffrance et le refus n’envahissent pas la mère, ni qu’un père ou une institution comme l’ordre des sœurs sainte-Clotilde ou autre barbarie, imposent leur violence ou la rigidité d’un système qui vise à éduquer et à soumettre dans la forclusion du corps charnel et désirant.

Cette construction originaire devient ensuite ce que nous avons étudié supra comme construction de l’originaire actualisée dans le rêve ou la création. Elle reste inconsciente mais toujours opérante dans le moindre acte ou la moindre perception d’un être non coupé de cette origine. Nombre de ‘baby blues’ suivant l’accouchement gagneraient à être considérés à l’aune de ce symbolique maternel forclos. Je me souviens d’une patiente ayant très tôt perdu sa mère et vécu ensuite une situation de maltraitance sournoise de la part d’une belle-mère ; n’ayant pu avoir d’enfant, stérilité mystérieuse, cette patiente a enfin osé une adoption dont elle était ravie : ravie car heureuse mais soudainement dérobée, comme le sol s’était dérobé sous le corps défait de Lol V. Stein, à l’arrivée de sa fille et lorsque celle-ci, cherchant le contact, l’appela maman. Elle s’effondra alors dans l’incapacité psychique à répondre à cet appel convoquant sa chair, même si elle savait encore assurer le quotidien de l’enfant. Il lui fallait d’abord entendre son propre appel et repeupler ses premiers instants avec sa mère de la chaleur d’un contact brutalement perdu, cette terre native dont elle fut amputée ; et même si une psychanalyse avait depuis longtemps revisité ces premiers instants, ce n’est que de les vivre qui pouvait opérer une réelle ouverture à l’entre-deux chairs native.

 



[i]  Fouque Antoinette  Il y a deux sexes,  Ed. Gallimard  1995

[ii]  Fouque Antoinette interview France 5 du 10/10/08 réalisée par Julie Bertuccelli

03/04/2009

Antoinette Fouque écrit sur l'oeuvre de Françoise Gilot

Texte recopié du catalogue des trente ans des Editions des femmes :
francoise_gilot.jpgFrançoise Gilot
Anamorphoses, 15 juin / 31 juillet 1986
La Porte rouge, huile sur toile, 73x59 cm, 1982
 
... Ou la prégnance du regard
 
Texte d'Antoinette Fouque pour le catalogue de l'exposition Anamorphoses de Françoise Gilot, à la Galerie des femmes, en juin 1986 (repris dans Mémoires de femmes 1974 - 2004)
 
Rencontrer une femme ? Aventure difficile dans une civilisation en malaise, ravagée par l'épidémie féministe. Femme : espèce en voie de disparition, transformée en fossile vivant avant d'avoir pu exister.
N'être femme à Marseille et rencontrer, à San Diego, à l'extrême Occident, un demi-siècle après, une "soeur océane", c'est affaire de destin, plutôt que de hasard. Il y aura fallu la guidance poétique et l'endurance femelle ; il y aura fallu cette lente remontée de la mer prostituée jusqu'aux eaux pacifiques, d'un port à l'autre, à de la naissance à la maturité, du passé au futur, anabase et exil.
Ici, là-bas, en Californie, en France, on m'avait tout dit sur Françoise Gilot : sur presque dix années de vie partagée avec Picasso, le géant du vingtième siècle, elle sortant à peine de l'adolescence et lui entrant dans son grand âge ; leurs deux enfants, Claude et Paloma ; et puis Aurélia, plus tard avec un autre ; on m'avait dit qu'elle écrivait des livres (biographies, théorie, poésie), qu'elle était peintre ; qu'elle était aujourd'hui la femme du Docteur Salk, le génial inventeur du vaccin contre la poliomyélite. On remarquait qu'elle ne devait pas être quelqu'un d'ordinaire pour avoir été aimée par des hommes aussi éminents (la gloire de Lou Andreas-Salomé en pâtit encore). On m'avait tout dit, mais rien d'essentiel.
 
picasso_francoise_gilot.jpgD'abord, il y a vos yeux. C'est le premier contact. Tous mes poètes aux mots fertiles répondent à l'appel. "Il viendra un être au regard si vrai que le réel le suivra." Prégnance du regard : les yeux d'algue et d'guître, bleue et verte, les yeux du commencement du vivant, les yeux de l'océan et de l'huître. Ils nous regardent, au-dehors, au-dedans. L'une et l'autre veillent sur le mouvement, sur les mutations laborieuses. La femme intérieure remonte lentement : "female", "artist-woman", toute en couleurs (même quand vous êtes en blanc). Ici les gens disent que le français est la langue de l'océan. Et si la langue anglaise, plus na(t)ive, était celle des femmes ?
Alors, il y aura plusieurs entretiens, timides, de part et d'autre, comme de juste. Mais, à l'essentiel, vous allez droit. La quintessence, le cinquième élément, pour le peintre, c'est la couleur, pour la femme, c'est le vivant. Pour les deux en une, ce sera la peinture.
Vous me racontez l'enfance. La petite fille et sa peinture, des jumelles. Elle vous est née avec vous, la peinture comme nature. Vous l'avez toujours sue, depuis le "vortex d'abeilles" (dans le midi on dit "avoir des abeilles" pour exprimer un certain état d'excitation : ni le bourdon, ni le cafard, mais une sorte de vertige enthousiaste).
Vous me racontez les voyelles, a, i, o, l'autre et vous, et l'entre-elles. Et i, a, o - a, o - o, a - fortda - ici-là et l'o dans l'a, l'o du nom, aquarelle. Les consonnes F, G, la sixième et la septième, les sept couleurs de l'arc-en-ciel ; F, G, fille et garçon. Vous jouez avec vos deux genres mais vous ne les confondez pas. Vous créez avec un seul sexe, multiple, hétérogène, complémentaire. C'est toute la différence. Votre "porte rouge" est naturellement bordée de vert. Il s'agit là bien sûr du "naturel en peinture".
Vous me dites comment vous concevez avec vos deux yeux, à contre-perspective, sans diplopie, sans obsession, par plans ; vous l'avez appris en direct de votre vieil ami Matisse.
francois-gilot-picasso.jpgVous peignez avec vos deux mains, de la gauche, au couteau, de la droite, au pinceau (toutes les techniques vous viennent comme autant de langues fluantes), vos deux mains se touchant dans la chir du tableau. Vous vivez avec vos deux cerveaux, le gauche pour la rigueur, pour le sens (vous refusez le système pour mieux construire la théorie), le droit pour l'intuition, l'anticipation symbolique.
A La Jolla, dans l'enceinte de l'atelier de Françoise Gilot, j'ai vu une centaine de toiles, une infime partie de son oeuvre seulement. Question de lieu, question de temps. Dix heures par jour, en moyenne, d'un travail acharné, sur plusieurs décades. La peinture ininterrompue, abondante, multiple. Travail du lieu, travail du temps. Le lieu y enlace le temps. Le corps antérieur, la chair précoce de l'artiste, plutôt que sa mémoire, s'y exerce, dans une langue de silence, par séries. Le lieu est clos, pour s'ouvrir au-dedans : s'y enfermer, s'y recueillir, s'y concentrer, s'y inspirer presque jusqu'à l'asphyxie (Goya aussi), la gorge serrée à s'en rompre les cordes vocales, le souffle retenu dans le vortex intérieur, ce tourbillon creux et fluide suscité autrefois par l'absence de la mère, Artémis à l'oeil meurtrier, chasseresse d'oiseaux migrateurs.
Le vertige en abîme s'est converti, une fois l'angoisse domptée, en motions, en couleurs, en réserves de passions propres à la faire revenir, autre, la mère, à la faire advenir femme. La passion de la réserve, parfois portée comme un masque de timidité, s'éclate, debout, à la force du geste et relaie le temps en durée de gestation. Elle fait venir la nouvelle née, fille ou amante, tierce peinte, entre elle et la toile : c'est une excorporation, par la transparence profonde des aquarelles bleu sombre, vert liquide, par la précision incisive des lignes acrobates, par la flamboyance des huiles cadrées, recadrées, cernées, construites en villes orientales.
francoisegilot.jpgLa vie dans les yeux, la peintre touche son horizon intérieur, se remet en face des choses, les atteint et les transmet de les atteindre plutôt que de les représenter. Instase. Descendre au lieu inné, en soi, où l'autre se désaltère, et faire naître. S'éloigner de plus d'une mort ; faire vivre plus d'une vie par cet affort d'amour. La peinture est un acte, un fait qui me réveille, me touche à l'intouchable ; l'élément chair aussi a ses rêveries de labeur. Relation d'être à être, en écho, sans miroir, de pensant-vivant.
Instance de la couleur. L'un désirait parfois "se montrer jusqu'au rouge". Françoise Gilot porte au bleu l'espérance, ouverte sur la vie. On s'éloigne des portes de l'enfer, on s'éloigne des portes du paradis, des portes de l'exil ouvertes sur les sables, des portes désespérées de la comédie divine, de la corrida domestique, de l'idée fixe, de l'obsession du temps, de la phobie du vivant, de la scène à répétition, de la résistance stérile, de l'Art considéré comme un assassinat, du culte du moi-moi, de la sublimation du Divin, du Pouvoir.
Les yeux vivants touchent le ciel. Le corps sensible, intime, monte jusqu'aux étoiles. Une femme offre en écho chiasmé, visible, l'invisible. Elle en oublie l'oubli, une certaine indifférence. Pas de Dieu incréé et donc pas d'incréable. Son art originaire (Urkunst ?) appelle l'expansion. Elle anticipe la réminiscence d'une communauté symbolisante. Celle qui voit et celle qui regarde, deux, plusieurs femmes, ont désormais même inconscient, prégnant, agile comme un corps subtil, mouvant comme un bonheur océan. C'est faire oeuvre d'analyste. C'est du même coup démasquer "le travail du rêve", comme pâle contrefaçon, du travail de tout l'être : corps et sens, sexe, coeur, jambes, poumons, cerveau, pensée, langage et conception entrelacent leurs jeux dans la lumière et l'eau de la chambre utérine. La forêt vierge ruisselle rouge sang sur la toile. La relation est cette fois de connaissance. Aucune femme ne serait plus tenue à l'envers d'elle-même, ne serait plus contrariée dans ma mère à la folie.
 
photo-Francoise-NY.jpgC'est l'accueil en ce lieu, le vôtre, de peinture, qui interrompt l'exil, notre existence en pointillés. La coleur fait reculer la psychose, les blancs à l'âme, le spleeen et l'idéal du Narcisse ; elle mobilise la joie. En elle, un peu, je me retrouve cette fois dans Paris. La pierre vire aux roulements du corps de l'autre, aux balancements matriciels. Votre "persona" a les yeux pers. Ce n'est pas un autoportrait. Vous avez mieux à faire que de vous prendre pour Dieu. Votre soleil se lève tôt, tranché de vert, deux fois troué. Votre fenêtre de femme-peintre ouvre sur une autre dimension, peut-être la quatrième quant au dessin des pulsions (après l'inhibition, la perversion, la sublimation). C'est en tous cas la dimension du mouvement, donc du vivant-pensant, pour chaque sexe.
Vous êtes de l'autre côté des avant-gardes à systèmes, des "génies" ravageurs, enragés. Votre modernité, du côté de Matisse, ouvre la tradition, pense la transmission, retient la permanence du sens, perdu/trouvé, à mettre au monde. Elle est la forme expulsée comme nouvelle, et hors d'elle-même comme autre : anamorphose. Vous la nommez "Idole enfantine", "Amour", "Lien", "Equinoxe". Elle est forme externée, sécrétion de couleurs perlées, la remontée à soi d'une pulsion profonde, inexistante, invisible. Grosse d'affects et d'échos, vous la voulez symbole. Vous la mobilisez vers son ailleurs. Vous la placez au commencement de demain. Vous l'imaginez au présent d'une expérance. Ce n'est plus la régression progédiente et l'angoisse du créateur, mais la prégnance de l'enfante-femme d'avant le premier jour.
 
Et si toute naissance était anamorphose ?
La (pro)création serait géni(t)ale ou ne serait plus.
Alors, il faudrait saluer ici une naissance de peinture.
Antoinette Fouque, La Jolla-Paris, juin 1986

01/11/2008

Maglione se souvient de sa première exposition à la Galerie Des femmes (1981)

T7_1.jpgTexte recopié du catalogue des trente ans des Editions Des femmes :
En décembre 1980, la Librairie des femmes, 74 rue de Seine, à Paris, ouvre son espace à la première galerie de femmes en Europe, pour faire connaître les artistes femmes, longtemps ignorées dans l'histoire de l'art, et trop souvent encore aujourd'hui.
 
Petit jardin
 
Milvia Maglione 1er janvier / 28 février 1981
"J'ai fait ma première exposition personnelle en 1960 à Milan, puis en Europe, et à la Galerie des femmes en 1981. J'en ai en quelque sorte fait l'inauguration : c'était le premier accrochage et le premier vernissage. Puis j'ai participé à) plusieurs expositions collectives de la Galerie : en Avignon, à Apt... Mais ma première rencontre avec des femmes remonte à 1975, lorsqu'une amie de Milan, Erica Kaufman, m'a parlé de son livre Transfert qui allait être publié en France. Elle voulait que je fasse la couverture. J'ai pris contact avec les Editions et c'est comme ça que j'ai connu Antoinette. Par la suite, j'ai fait d'autres couvertures de livres et aussi des affiches pour la maison d'édition féministe italienne, la Tartaruga. En 1976, j'ai participé à une exposition de femmes, Combative acts, profiles and voices, à New-York.
La Galerie des femmes était une grande chance pour nous les femmes artistes, c'était un rêve qui se réalisait. Ainsi, quand mes toiles ont été présentées, avec d'autres, sur le stand de la Galerie à la FIAC, mon travail a fait un bond. C'était une opportunité extraordinaire."
M.M.. Paris, février 2005

01/08/2008

Michelle Knoblauch n'oubliera jamais le premier Espace des Femmes

kno.jpgTexte recopié du catalogue des trente ans des Editions des femmmes :
Merci, Antoinette Fouque, merci aux femmes qui m'ont fait confiance. C'était en 1981, ma première exposition personnelle à Paris. Ma première galerie. Tout était première : affiche, catalogue, FIAC. Le pied à l'étrier.
Un lieu vivant rue de Seine - maison d'édition et galerie - lieu de rencontres (j'ai gardé des amies fidèles de cette époque), de discussions, de débats (d'accord, pas d'accord, peu importe, on vait la parole).
Je venais moi-même d'un milieu politisé et ouvert. Je m'y retrouvais - très à l'aise. Depuis, j'ai continué ma route avec d'autres galeries. Mais je n'oublierai jamais ce premier espace et aujourd'hui encore je mesure l'importance du féminisme.
Vingt-cinq ans plus tard, rien n'est acquis (Constat plutôt angoissant). Heureusement, elles sont toujours présentes.
M.K.

01/01/2008

Françoise Gilot et Antoinette Fouque à La Jolla (Californie)

173x200_394633.jpgTexte recopié du catalogue des trente ans des Editions des femmes :
Au début des années 80, Antoinette Fouque passait une grande partie de l'année à La Jolla en Californie et c'est ainsi que nous nous sommes rencontrées. Sa maison était nichée tout contre le Pacifique et la mienne plus au nord en haut d'une falaise. Un dialogue s'établit et aussi une chaleureuse amitié qui s'enrichissait de la présence de Marie-Claude Grumbach et de mon mari Jonas Salk. C'est ainsi que peu à peu se dessina le projet d'une exposition d'un groupe de mes oeuvres à la Librairie-Galerie Des femmes, rue de Seine à Paris qui eut lieu au printemps 1986. L'exposition accompagnée d'un petit catalogue s'intitulait Anamorphoses et le vernissage qui réunit écrivains et peintres fut très animé.
F.G.

02/02/2007

Antoinette Fouque écrit sur la peintre Catherine Lopes-Curval... (en 2002)

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Texte (extrait) recopié du catalogue des trente ans des Editions des femmes :
 
Catherine Lopes-Curval est née dans la seconde moitié du XXème siècle. La Mise aux Carreaux I, c'est une course aux trésors des signifiants ; c'est une balade dans la mémoire planétaire de l'artiste, et, même geste, cent arrêts sur images aux écrans de nos rêves. Explosion fixe de la beauté.
Autant de richesses ne vont pas, c'est logique, sans produire quelques hasards objectifs, rencontres improbables mais absolument nécessaires. Par hasard, à Beaubourg, la séquence chromatique d'Aurélie Nemours a été accrochée à la suite de plusieurs Hommages au carré d'Albers. Par hasard, au festival de Cannes, le 26 mai 2002, Julie Lopes-Curval, la fille au regard bleu-vert de Catherine, a reçu la Caméra d'or pour son premier long-métrage Bord de mer.
On s'y retrouve. De rencontre en maison, d'hospitalité en passion, d'oeuvre vivante en génération, non sans passeur, de mère en fille, de femme en femme, à l'infini...
à l'occasion d'une donation de la Fondation SCALER au Centre Pompidou, Antoinette Fouque a proposé de retenir les oeuvres de trois femmes artistes : Aurélie Nemours, Geneviève Asse et Catherine Lopes-Curval.
Antoinette Fouque, Boulouris, le 30 mai 2002